El cortometraje de animación “La Trompeta” dirigido por Andrés Nieves “El Orejón”, en el cual tuve la oportunidad de participar como animador, sigue cosechando éxitos en su andadura por festivales de todo el mundo.

El último de estos premios ha sido concedido por el prestigioso Festival de Málaga, en la sección de animación Animacine, donde La Trompeta se ha alzado con el premio Especial del Jurado.

Para mí es muy gratificante ver como grandes amigos consiguen éxitos con el esfuerzo y el talento como principal materia prima, desde miguecartoon.com queremos felicitar, no sólo a Andrés, sino al colectivo BlaBlu, por este gran reconocimiento, que sin duda no será el último.

Aprovecho este gran momento para hacer una pequeña entrevista al director de La Trompeta Andrés Nieves, en este caso, centrándonos en los aspectos técnicos del cortometraje.

Miguecartoon: En primer lugar, enhorabuena por el premio, supongo que un reconocimiento así debe de ser un gran aliciente para continuar trabajando.

Andrés Nieves: Gracias Migue.
Sí, por supuesto. Aunque cuando decidimos aventurarnos en este cortometraje la intención nunca fue ser premiados. Nuestro objetivo principal era hacer una película animada de principio a fin, y hacerlo con cariño, dando a conocer el talento con el que estamos dispuestos a trabajar. Hemos invertido mucho tiempo y esfuerzo en este cortometraje, pero era así como queríamos que fuese. Desarrollar una idea propia y disfrutar del duro proceso de producción que esto conlleva.
Sí, tengo muchas ganas de seguir trabajando con ideas nuevas que ya estoy madurando.

M: Bueno, empecemos con las preguntas. ¿De dónde parte la idea de hacer este corto?

A: La idea surgió por una historia que escuché del músico de blues B.B. King; le tenía tanto cariño a su guitarra que cuando la perdió, bautizó a todas sus siguientes guitarras con el nombre de Lucille, haciendo referencia al hecho que ocasionó la pérdida de su instrumento.
Es una historia triste y bonita a la vez.
El corto es un homenaje a esos pequeños objetos con los que convivimos los que nos dedicamos al mundillo del Arte, como lo es el cine, la animación, la música… pero destacando que lo que realmente nos hace feliz es lo que hacemos y no los instrumentos que utilizamos para hacerlo. 

M: ¿Por qué un cortometraje y no, por ejemplo, un piloto para una serie?

A: Bueno, tenemos varias ideas en la recámara. Hablo en plural porque el corto lo realicé junto a un colectivo (amigos) llamado BlaBlu. Ya hemos trabajado en series y pilotos de animación, algunos con éxito, otros no tanto, pero queríamos hacer algo diferente. Planteé la idea y decidimos trabajar en ella.
De igual forma, tenemos bocetos de guión para otros cortos, series que podrían convertirse en video juegos, etc… Ya veremos cuál sale primero.

M: La Trompeta es un cortometraje con varias técnicas fusionadas, ¿qué tipo de técnicas de animación se usaron? y ¿por qué eliges este tipo de técnicas y no otra manera de afrontarlo, como por ejemplo el 3D?

A: Sí, fusionamos la animación tradicional (que nos encanta) hecha por ordenador con la Cut Out; esto permite aprovechar lo mejor de ambas: la fluidez y el mimo que le puedes dedicar a la tradicional y la rapidez de las piezas recortables del Cut Out.
Esto no es nada nuevo, los japoneses son los maestros en usar esta técnica en el Anime.
También utilizamos el Motion Graphic para los props, coches y cosas por el estilo, para luego introducir todo esto en un entorno de tres dimensiones en capas con profundidad, simulando los antiguos teatrillos de cartón y los libros Pop-up.

M: ¿Ha sido muy complicado fusionar todas estas técnicas en un estilo homogéneo como el de La Trompeta?

A: No ha sido complicado, ha sido divertido. 
Aunque estaba a cargo de la dirección y dirección de arte, todos en el equipo podían opinar y experimentar cosas, no era una idea hermética. La Trompeta fue creciendo a medida que trabajábamos. En un principio buscábamos que todo fuese muy simple, pero mientras investigas quieres hacer cosas nuevas. Te haces preguntas. ¿qué pasaría si el personaje no tiene línea de contorno? o ¿ y si esa línea corta al personaje en determinado momento?
También contamos con el excelente trabajo de Alicia Borges como directora de fotografía, que en animación, es la persona que a través del color le da ese carácter homogéneo a todos los planos.

M: El Orejón es tu marca y eres conocido por tu trabajo en el campo del diseño gráfico, ¿Cuánto influye tu parte de diseñador en el aspecto visual y el estilo del corto?

A: Jejeje sí, es mi marca de nacimiento jejeje. Y decidí sacarle partido. 
Suelo firmar mis trabajos como “El Orejón”. Soy diseñador gráfico, trabajo en publicidad, también ilustro y animo en 2D. Creo que todos estos campos se complementan pero el diseño me ayuda mucho en el momento de componer el color, los escenarios, los layout…
Tenía bastante claro cómo quería contar esta historia y sabía cómo serían los personajes, visual y emocionalmente.
En animación me gusta especialmente el estilo cartoon de los años 50. Esa capacidad que tiene de transmitir con formas simples, con elementos geométricos y muy esquemáticos. 
Cuando esbozo suelo aplicar estos recursos a mis diseños y personajes, sobre todo porque se identifica perfectamente la idea con pocos trazos, aunque éstos no tengan hombros o caderas; las perspectivas no encajen o los dos ojos puedan ver fijamente al frente mientras la silueta está totalmente de perfil. Este tipo de cosas son muy naturales para los niños, mientras que a nosotros los adultos nos cuesta mucho más. El Cartoon Modern rescata esa manera de ver las cosas; observar y plasmar con los ojos de un niño. Sin restricciones de ningún tipo. El cielo puede ser naranja y las panteras rosas sin molestar a nadie. Para La Trompeta rescaté un boceto antiguo hecho unos años atrás, y tenía muy claro que ese boceto sería un fotograma del corto.
Por otro lado, en ilustración, me encanta el entintado del grabado antiguo. Y en uno de mis próximos proyectos quiero combinar estos dos estilos: personajes de formas simples del cartoon con exhaustivo entintado del grabado, en animación Cut Out.

M: Desde el punto de vista del director, no debe ser fácil organizar un equipo de trabajo en un cortometraje ¿Cuáles fueron los mayores retos organizativos dentro del flujo de trabajo?

A: No, no es nada fácil. Todos hacíamos de todo, cada uno se especializaba en una rama del proceso pero cuando es un equipo tan pequeño, es la única manera. En los créditos del render final está bastante esquematizado porque tenía que ser así, pero estuvimos implicados en todas las etapas del proyecto. Aunque tuve como ayudante de dirección a Diana Robles, una gran ayuda porque no es nada fácil.
Empezamos fusionando los departamentos de guíon, storyboard y concept art; todo esto con lápiz y papel a la vieja escuela. Puliendo las ideas hasta tener una animática bastante cerrada de unos 8 min. 
Luego cuando teníamos los personajes y escenarios bastante definidos, escaneábamos todo ese material para trazarlo en vector de nuevo por ordenador. Para los personajes utilizamos el programa Toonboom Animated, mientras que para los escenarios Photoshop. Investigamos con el color y texturas, pero siempre teniendo en cuenta que el azul fuese el color dominante en la imagen.
La gran mayoría de las acciones están animadas en tradicional por ordenador; primero en Rough y luego puliendo hasta el Clean Up, como si trabajáramos con papel. Coloreando con paletas de color digital correspondientes a cada personaje y reutilizando algunos elementos del personaje como, por ejemplo, las bocas para las expresiones. 
La composición final se realizó en After Effect, creando un entorno 3D, en el que controlábamos la cámara entre los OL, UL y la animación, dispuestos en capas con profundidad por los escenarios.

M: La música y el ritmo son una constante y un personaje más dentro del corto, ¿Cuál fue la técnica usada para sincronizar las acciones de los personajes con la música?

A: La música es una banda sonora original, a cargo de Christian Johansen, que hizo un trabajo excelente.

En primer lugar, le presentamos referencias musicales al compositor junto con la animática, que previamente habíamos separado en tres bloques principales (inicio, nudo y desenlace). Dichos bloques están directamente relacionados con los sentimientos del protagonista. Todo ello tenía que verse reflejado en la música. Para esto, cada una de ellas tenía un compás musical diferente al que sincronizamos todas las acciones (las caminatas, saltos y caídas; los cambios de planos, entradas y salidas de los personajes), con subidas y bajabas de tono, para acelerar y retrasar lo que queríamos contar. Teniendo en cuenta que se trata de un corto sin diálogos, la banda sonora tenía que hablar por los personajes. 
Y en cuanto al método de trabajo, Christian enviaba bases (bocetos) musicales con las que trabajábamos de fondo, mientras se terminaban los arreglos e incorporaban más instrumentos y el sonido ambiente.

M: Hay mucho de animación limitada tipo UPA en La Trompeta, que va ligado al propio diseño de los personajes ¿crees que habrías logrado el mismo impacto visual de haber elegido otro tipo de animación?

A: Sí, La Trompeta bebe mucho del estilo UPA, pero creo que la respuesta es no; no hubiésemos conseguido el mismo impacto visual con otro tipo de animación. Esto no quiere decir que obtendríamos peores resultados, solo que sería otro cortometraje. El Cartoon Modern nos permite deformar los personajes a conveniencia, sin ningún tipo de reparo; también podemos despiezar en capas sus extremidades para que algunos elementos permanezcan inmóviles en ese proceso de deformación. Por otro lado, gracias a la simpleza de los diseños podemos animar expresiones de enfado, pena o tristeza con pocos dibujos, y el espectador percibirá sensaciones contradictorias, ya que los personajes resultan hasta graciosos dentro de este tipo de situaciones. Pero si vemos una imagen realista, reaccionando como lo haría una persona normal, tendríamos otro tipo de sensaciones.

M: Háblanos un poco de BlaBlu.

A: BlaBlu es un colectivo de profesionales de la rama audiovisual, un equipo muy pequeño en el que sus miembros pueden aprender los unos de los otros mientras trabajan, ya que cada uno se especializa en un área. Nos unimos con la intención de sacar adelante esos proyectos que por un motivo u otro, siempre se quedan aparcados.
El colectivo está conformado por Diana Robles, Luis Miguel Pérez, Javier González, Miguel Miranda y un servidor. Nos ha costado sangre, sudor y lágrimas sacar este proyecto adelante, y me alegra haber contado con ellos y saber que ha valido la pena.

M: ¿Tienes pensado afrontar nuevos retos en animación, no sé, algún otro corto a la vista? En caso afirmativo ¿nos podrías revelar algo de ese nuevo proyecto?

A: La idea es sobre un circo muy decadente y árido. Todo entintado a mano. Y no digo nada más.

M: Pues eso es todo, muchas gracias por responder a estas preguntas y esperamos volver a verte pronto con otro premio debajo del brazo.

A: Y espero que me acompañes a celebrarlo. 
Ahora, ¿Dónde nos tomamos una cerveza? jejeje